Tras haber leído esta tragicomedia de Valle-Inclán, un referente en la literatura española, hemos llegado a la conclusión de que es una gran obra, no solo por su complejidad sino también por la manera en la que el autor ``disfraza´´ la realidad, burlándose así de la censura.
Una de las cosas que más nos han impactado de este innovador escritor es su peculiar apariencia junto con su extravagante personalidad.
Respecto a la obra, en su conjunto nos ha parecido muy compleja tanto por su escritura como por el hecho de que los personajes cambien de nombre en distintas escenas y sobre todo por el sentido crítico que en el fondo tiene. Esto se refleja con el final de la obra, cuando Pedro Gailo pronuncia las Divinas Palabras en latín, que actúan a modo de crítica hacia el poder que la iglesia tenía en la época, el S. XX.
Otro de los aspectos que más nos ha llamado la atención son algunas de las costumbres propias de la época y que, por suerte, en la actualidad han cambiado. Por ejemplo el hecho de que tuvieran al Idiota, una vez muerto, postrado en un carretón para pedir limosna y poder pagar su entierro. Esto en la actualidad estaría visto como una falta de respeto hacia el difunto. Otra costumbre que se ha conseguido eliminar en la actualidad es el hecho de tratar a las mujeres infieles como a unas criminales, sometiéndolas a toda clase de humillaciones, llegando a pasearlas desnudas por todo el pueblo, como es el caso de Mari-Gaila.
En definitiva, este trabajo nos ha permitido conocer como era la sociedad gallega y española en la época así como el ingenioso género literiario propio de Valle, el esperpnto.
viernes, 9 de mayo de 2014
Contextualización crítica de la obra
Aquí os dejamos un marcador social en el que hacemos una lista de páginas web empleadas para crear este blog:
https://delicious.com/lucilau98
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Contextualización geográfica
La obra se desenvuelve en pueblos ficticios, creados por Valle pero que fácilmente se pueden reconocer, como por ejemplo, Viana del Prior que es en realidad A Pobra do Caramiñal. Además de este pueblo, en la narración aparecen más lugares:
- A Pobra do Caramiñal (Viana del Prior):
- A Pobra do Caramiñal (Viana del Prior):
- Andras:
- Bretal:
- Ermida de San Clemente:
- Gondar:
- San Campio:
Contextualización literaria
A comienzos del siglo
XX predomina la tendencia teatral realista y naturalista, continuación de la Alta Comedia burguesa triunfadora en la
segunda mitad del siglo XIX. Se trata de la forma más comercial del teatro,
cuya intención es reflejar los ambientes y los caracteres de la realidad. El
teórico de esta tendencia fue Stanislavski.
Aunque este tipo de
teatro, de éxito asegurado, se sigue representando a lo largo del siglo XX,
durante las primeras décadas de este siglo se va a ir produciendo una constante renovación de las tendencias
escénicas, debido sobre todo a las siguientes causas:
- Aplicación a los
montajes teatrales de diferentes avances técnicos.
- Influencia del
cine. En su origen, el cine se ve muy influido por el teatro (las películas se
redujeron a la filmación de obras de teatro, lo que en Francia se llamó “Cinema
Qualité”). Pero el proceso se invertirá, de manera que comenzarán a emplearse
en los montajes teatrales técnicas provenientes del cine. Además, el cine se va
a reservar el punto de vista más “realista y naturalista”, de forma que el
teatro intentará buscar otros contenidos y formas de expresión.
- Importancia que va
a adquirir en el teatro contemporáneo el director de escena que, en muchos
casos, acabará imponiendo sus ideas a actores y autores.
El teatro
probablemente sea el género literario más sujeto a los condicionamientos
ideológicos y comerciales. Esto nos hace diferenciar el teatro de esta época
entre un teatro comercial, es decir, con éxito en los escenarios, y un teatro
innovador, más atrevido y creativo pero con menos popularidad.
- Teatro comercial:
- El Drama
burgués de Jacinto Benavente (Madrid,1866-1954)
El autor más
importante de esta corriente es Jacinto Benavente, autor perteneciente a la
Generación del 98.
La comedia
benaventina, costumbrista e incisiva, supone una reacción contra el teatro
melodramático de Echegaray. Este tipo de teatro se basa en el realismo, la
verosimilitud, la ironía o incluso la poesía. Puede decirse que, con su primera
obra, El nido ajeno (1894), abre un
nuevo periodo en la dramaturgia española.
Su teatro de éxito
alcanza la culminación en Los intereses
creados (1907), donde utiliza los personajes de la «commedia dell'arte»
italiana con psicología española y critica el positivismo de la sociedad
contemporánea.
Es un teatro
escasamente problemático, en el que lo esencial era la puesta en escena de unos
modos defectuosos de la convivencia, mediante una forma teatral en la que lo
decisivo no era la construcción de una acción dramática sino mostrar la
relación social de unos personajes a través del diálogo. Esto significa la
ruptura definitiva con la herencia romántica triunfante en Echegaray. Esta
nueva manera de hablar los personajes, que “desteatraliza” su palabra y la
acerca al español conversacional de las clases cultas de la alta burguesía,
supone la introducción en España de una nueva forma de teatro realista en la
que lo principal es la crónica dramática de los vicios y virtudes de una clase
social.
- El teatro “poético”
Mezcla influencias
neorrománticas y modernistas. Las obras más destacadas son las obras en verso
de tema histórico. En ellas se pretenden rescatar algunos mitos nacionales sin
hacer ningún tipo de crítica. El principal representante de esta tendencia fue
Eduardo Marquina, al que siguieron Francisco Villaespesa y los hermanos
Machado.
- El teatro cómico
Es una continuación
del llamado "género chico" del siglo XIX. Presenta ambientes
pintorescos y un humor mezclado de sentimentalismo con final feliz. Dentro de
esta tendencia destacan:
los
hermanos Álvarez Quintero (Serafín y Joaquín): escriben sainetes y comedias (El
genio alegre, 1906), casi todos de ambiente andaluz.
Carlos
Arniches: scribe sainetes de ambiente madrileño con una gran comicidad verbal
(El santo de la Isidra, 1898; Los milagros del jornal, 1924), y también piezas
más extensas y de mayor alcance crítico que denominó "tragedia
grotesca", como La señorita de Trevélez (1916).
Hay que mencionar también un subgénero cómico
algo más burdo, pero exitoso en su época: el "astracán" de Pedro
Muñoz Seca.Destaca por una búsqueda de la comicidad, desfigurando el lenguaje
natural. La obra más célebre dentro de este género es La venganza de Don Mendo,
que se estrenó en el Teatro de la Comedia de Madrid en 1918.
Dicha pieza es una sátira inspirada en el teatro histórico, del modernismo literario, del drama romántico y de las
comedias de honor deCalderón de la Barca.
- Teatro innovador:
- Generación
del 98: formada por un grupo de escritores, ensayistas y poetas españoles
que se vieron profundamente afectados por la crisis moral, política y social
acarreada en España por la derrota militar en la guerra hispano-estadounidense
y la consiguiente pérdida de Puerto Rico, Guam, Cuba y las Filipinas en 1898.
Todos los autores y grandes poetas englobados en esta generación nacen entre
1864 y 1876. Estos autores, a partir del denominado Grupo de los Tres (Baroja,
Azorín y Maeztu), comenzaron a escribir en una vena juvenil hipercrítica e
izquierdista que más tarde se orientará a una concepción tradicional de lo
viejo y lo nuevo. Pronto, sin embargo, siguió la polémica: Pío Baroja y Ramiro
de Maeztu negaron la existencia de tal generación.
Dentro de esta generación se pueden
diferenciar distintos tipos de corrientes a seguir por los escritores,
destacando así:
-
Unamuno
(Bilbao, 1864 – Salamanca, 1936):
Cultivó el teatro al margen de las tendencias de su época. Sus dramas
intentan mostrar, más que una obra teatral, un ensayo dramatizado. Se trata de
un teatro difícil por su carácter intelectual y por su densidad temática, a lo
que se suma su austeridad de decorados y economía de medios. Llama la atención
sobre todo la profundidad de sus planteamientos (inmortalidad,
paternidad-maternidad, personalidad, etc.).
-
Al margen
de los intentos de teatro vanguardista de Azorín (trilogía Lo invisible) y del
teatro filosófico de Unamuno (Fedra, El otro), destaca la obra de Valle- Inclán
(1866-1939). Su amplia obra teatral suele dividirse en tres bloques: el ciclo
mítico, que presenta una Galicia mítica y primitiva (Comedias bárbaras muestra
la descomposición del mundo rural y Divinas palabras la codiciosa explotación
de la deformidad de un enano); el ciclo de la farsa, que presenta un mundo
fantástico y estilizado (La Marquesa Rosalinda) y el ciclo del esperpento,
abierto en 1920 con Luces de bohemia y continuado por la trilogía Martes de
Carnaval. Los esperpentos son obras difícilmente representables, en las que
introduce una estética caricaturesca que recuerda por una parte al
expresionismo y por otra a la tradición "negra" española (Quevedo en
literatura, Goya en pintura). Son obras que mezclan lo trágico y lo grotesco,
los registros lingüísticos más extremos, con unos personajes deshumanizados,
convertidos en fantoches, que traslucen una amarga visión de España.
- La
generación novecentista: destaca Jacinto Grau, autor de un teatro denso que
despertó más interés fuera de España; su mejor obra fue El señor de Pigmalión
(1921), en la que unos muñecos se rebelan contra su creador. En España, Ramón
Gómez de la Serna, impulsor de las vanguardias, practica un teatro muy
innovador, con títulos como Los medios seres (1929).
- La Generación
del 27: En el ambiente de inquietud cultural e intelectual que surge con la
República y tiene uno de sus más claros exponentes en la Residencia de
Estudiantes de Madrid, aparecen voces renovadoras que influyen de manera
importante en la transformación del teatro español del siglo XX. Dentro de la
diversidad de tendencias e intenciones dramáticas de estos autores, se puede
apreciar en la obra de todos ellos un trasfondo social y un intenso sentido de
la solidaridad.
Debe destacarse, entre los autores
pertenecientes a la Generación del 27, la producción teatral de Rafael Alberti,
Pedro Salinas, Alejandro Casona, Max Aub y Miguel Hernández…
Así mismo, la persona más destacada sin duda
alguna de esta generación es Federico García Lorca (Fuentevaqueros, 1898 –
Granada, 1936). Su teatro intentó instalar la escena española en la modernidad
artística. Discurre desde el “teatro de arte”, que buscaba la regeneración
estética de la escena entregada al mercantilismo, hasta un “teatro
rehumanizado” que, atiende al mejoramiento moral y material del pueblo.
Contextualización histórica
La
Restauración borbónica era la etapa política desarrollada a finales de 1874.
El sistema
político que se estableció fue bipartidista entre el Partido
Liberal-Conservador liderado por Antonio Cánovas del Castillo y el Partido
Liberal-Fusionista que encabezó Práxedes Mateo Sagasta aunque tuvo mucho más
que ver en su creación Cánovas del Castillo. Esto permitió superar el sistema
de partido único que había abocado a una falta de legitimidad democrática a
Isabel II y a su posterior derrocamiento. El nuevo panorama permitirá una mayor
estabilidad, pero el encorsetamiento del sistema a la larga, con una
alternancia política ficticia, causará graves problemas que desembocarán en la
corrupción política, cuya base estaba en el denominado caciquismo.
La
legitimidad del nuevo régimen se establece con la Constitución de 1876 que
conforma el nuevo modelo de Estado con un poder legislativo dividido en dos
cámaras: Congreso de los Diputados y Senado, con un sufragio censitario para
elegir el Congreso y un Senado nombrado por el Rey, y en donde el monarca
conserva buena parte de las funciones de Jefe del Estado y del poder ejecutivo.
Surge el regeneracionismo, un proceso a través
del cual poder superar los modos y políticas del pasado para encontrar un nuevo
camino e todos los órdenes.
La
continuación de los conservadores en el poder obligaría a una política de
resistencia. La Reina manifestó su propósito y deseos de que en aquellos
difíciles momentos el nuevo gobierno se inspirase en una política liberal y
expansiva; Y como Cánovas del Castillo mostrara los mismos deseos, era natural
que la formación del gabinete se encomendara a Sagasta.
La muerte de Alfonso XII y la Regencia de Mª
Cristina
La crisis
planteada al morir Alfonso XII sin heredero, fue resuelta con habilidad por
Cánovas, que pacto con el máximo dirigente del Partido liberal, Sagasta, en el
conocido Pacto del Pardo, el turno pacifico de los dos partidos, y nombró como
regente a Mª Cristina que esperaba un hijo póstumo, el futuro Alfonso XIII.
Durante su
regencia se produjo la Guerra Hispano-Estadounidense, en la que España perdió
las últimas posesiones de su imperio colonial.
En sus
últimos años de regencia se agravó el problema marroquí y se agudizó la
conflictividad social. De esta época datan también los inicios del catalanismo
político. Además, la pérdida de las tres últimas colonias hispanoamericanas en
1898 y el comienzo de la descomposición de los dos partidos del turno al
desaparecer Cánovas y Sagasta pocos años después, sumieron al país en una grave
crisis, que evidenció de manera clara la inoperancia que adquirió, coincidiendo
con el cambio de siglo, el régimen de la Restauración.
El Tratado de
París de 1898 se considera como el punto final del imperio español de ultramar
y el principio del período de poder colonial de los Estados Unidos. Mediante
dicho tratado España abandonó sus demandas sobre Cuba y declaró su
independencia. Filipinas, Guam y Puerto Rico fueron oficialmente entregadas a
los Estados Unidos por 20 millones de dólares.
La Guerra
hispano-estadounidense había tenido un desenlace rápido y previsible, debido a
la superioridad armamentística estadounidense, A finales de julio de 1.898, y
todavía en plena guerra, España comienza a negociar el fin de las hostilidades
mediante el embajador francés en Washington, Jules Cambon.
España temía que el
conflicto se trasladara al otro lado del Atlántico y se pusieran en peligro las
islas Canarias, las islas Baleares y las demás posesiones africanas en el norte
de África y Guinea Ecuatorial.
Se distinguen dos
periodos durante la regencia de Mª Cristina:
1885-1890: Parlamento largo
Durante estos años
gobernaron los liberales que llevaron a cabo una serie de reformas en la línea
de la constitución de 1869.
Las principales
reformas fueron:
- Reforma del código civil.
La ley de asociaciones para congregaciones religiosas y para asociaciones de
tipo social. Ley de administración local, de desarrollo económico y de
ferrocarriles. Ley de reforma del ejército,
impuso el servicio militar obligatorio, con la oposición de los conservadores.
- Ley del sufragio
universal masculino, fue muy protestada.
En todas estas
reformas, Sagasta tuvo la ayuda de personalidades capaces en varias
materias.Como fueron: Camacho en hacienda, Alonso Martínez y Montero Ríos en
justicia, Moret en estado y Gamazo en ultramar.
1891-1902:
Periodo de alternancia
Se llama así porque
alternaron en el gobierno dos partidos: conservador y liberal.
Las lecciones de 1891
proporcionaron el triunfo del partido conservador y hasta 1901 hubo seis
consultas electorales, alternando los dos partidos:
El ascenso de los
conservadores al poder (1891), supone un gran cambio en la política económica.
Frente al
librecambismo que había utilizado los liberales y ante las protestas de los
industriales y productores de cereales, los conservadores promulgaron un
arancel proteccionista que gravaba con fuertes tarifas las importaciones. Este
arancel, proporciono beneficios a los grupos dominantes.
Los movimientos
obreros: la tensión social se incrementa especialmente en el campo Andaluz y en
el sector textil catalán.
Este aumento de la
tensión tiene como principales protagonistas a los anarquistas que llevan a
cabo incluso atentados contra políticos y empresarios.
El gobierno reacciona
con una dura represión, y ello junto a la movilización, para la guerra de Cuba
en 1895 provocó un mayor aumento de la conflictividad.
El asesinato de Cánovas
en 1897 junto a la huelga de la cuenca minera de Asturias y de la zona
industrial vasca, precedieron a la grave crisis de 1898.
En Divinas Palabras Valle-Inclán nos enseña el pensamiento y la forma de sobrevivir de la época a base de ir por las ferias pidiendo limosna , se muestra la vida rural de una Galicia muy supersticiosa y atrasada respecto a otras zonas españolas. Además esta época supone unas épocas de cambio en las ideas de la sociedad, tanto religiosas como políticas.
Fue una etapa de decadencia para la iglesia, ya que muchos cristianos dejaron de creer o decían que Dios no les hacía caso.
Aquí os dejamos material audiovisual en el que se explucan estos periodos:
Contextualización de la obra
Divinas
palabras, subtitulada Tragicomedia de aldea es
una de las obras teatrales más conocidas de Ramón María del Valle-Inclán .
Supone la culminación del ciclo mítico, con una estética muy cercana a los
esperpentos. Comenzó a publicarla en 1919 en La Pluma, un periódico madrileño. En 1920 fue publicada como libro,
en este mismo año el autor hace aparecer otras piezas dramáticas, que
restablecen la creatividad de Ramón en el ámbito dramático y además algunas de
ellas inauguran denominaciones como tragicomedia o esperpento, nunca utilizadas
por el autor hasta ahora. La obra remite
a situaciones de crueldad pero tratadas en tono de tragicomedia (lo trágico y
lo grotesco se unen). Está habitada con imágenes ancestrales de muerte, de
avaricia y lujuria... pero formalmente se sitúa en una vanguardia
expresionista.
A causa de todo esto, la crítica consideró Divinas palabras como obra crucial en la trayectoria creativa del
autor. El propio Valle-Inclán reconoció después de haber escrito la obra que
debido a su complejidad debería ser refundida para poder ser llevada a los
escenarios.
Se trata de la obra más universal del autor gallego, ya que es, con diferencia,
la que más veces se ha llevado a escena fuera de España. Un total de 35
montajes en 18 países de Europa, América y Asia, 13 de ellos de habla no
hispana.
La primera representación teatral se realizó
el 16 de noviembre de 1933 en el Teatro Español de Madrid y a partir de 1950
empezó a ser representada internacionalmente.
En el ámbito cinematográfico aparecieron dos
versiones, una en México en 1978, adaptada y dirigida por Juan Ibáñez y otra en
España en 1987 dirigida y adaptada por José Luís García Sánchez.
Divinas palabras tan sólo tuvo una representación operística, estrenada
en el Teatro Real de Madrid en 1997.
Su argumento ha atraído a diferentes artistas interesados en adaptarla
no sólo a las tablas sino también al cine y a la música, prueba de ello son las
adaptaciones de célebres autores como Castelao y versiones cinematográficas
como la de José Luís García Sánchez en
1987 con el mismo título que la obra (Divinas
Palabras).
Argumento
La acción gira alrededor de la familia de Pedro Gailo, un sacristán,
casado con Mari Gaila, y que tienen juntos una hija, Simoniña. La hermana de
Pedro Gailo muere, dejando a su engendro, Laureaniño el Idiota, un enano que es
expuesto en las ferias por sus familiares para conseguir dinero. Se lo disputan
a tal fin la hermana de la difunta, Marica, y los Gailos. Cuando la esposa del
sacristán, Mari-Gaila, se va con su amante Séptimo Miau, un grupo de gente
emborracha al enano hasta matarle, desencadenándose los acontecimientos
dramáticos.
Aquí os dejamos unos vídeos en los que se representa la obra:
Obra de Valle-Inclán
Obra
La actividad literaria de Valle-Inclán comienza con la publicación de algunos pequeños textos en Santiago de Compostela. Poco a poco extendería su obra a varios géneros de la narrativa como el relato, las crónicas, la novela, el teatro o la poesía lírica.
Narrativa
Su producción narrativa se inicia en el modernismo. Su primera obra es: Femeninas, colección de relatos sutiles, sensuales y muy musicales. Más adelante llevará a cabo todo un monumento del modernismo: las Sonatas -Sonata de otoño (1902), Sonata de estío (1903), Sonata de primavera (1904) y Sonata de invierno (1905)- que tardaran tres años en salir. Es con ellas con las que inicia su carrera de escritor. En ellas relata, de forma autobiográfica, los amores del Marqués de Bradomín (un Don Juan ochecentista, cínico y sensual). En estos relatos, Valle-Inclán representa una nostalgia típica en los discípulos de Rubén Darío (padre del modernismo, quien lo llevó de Latinoamérica a España).
Escribe una de las mejores y más importantes obras en toda la prosa modernista hispana: Flor de santidad. Esta obra, sin huir del modernismo, se centra un poco más en las tradiciones populares y leyendas gallegas con las que Valle se familiarizó en su infancia.
Por la cantidad de diálogos, algunas de sus obras narrativas, como el ciclo de las Comedias bárbaras, podrían considerarse dramáticas. Al revisarlas y comprender la dificultad de representarlas se las incluye entre sus novelas.
Otra vertiente de la novelística de Valle-Inclán queda plasmada en los Relatos de la Guerra Carlista (1909), donde ofrece un tratamiento nuevo de esta temática, raspando el efectismo épico dominante en obras anteriores del autor y adoptando un estilo más sobrio, entrañable y lleno de emoción.
En la serie de novelas El ruedo ibérico se burla de la corte de Isabel II y presenta ya la orientación crítica y grotesca que predominan en sus últimas creaciones.
Tirano Banderas. Novela de tierra caliente (1926) narra la caída del dictador sudamericano Santos Banderas, un personaje cruel que mantiene el poder gracias al terror y a la opresión. Es una descripción de la sociedad sudamericana y uno de los primeros ejemplos de la llamada «novela de dictador».
Estas novelas marcan un cambio en la postura estética de Valle-Inclán, acercándose un poco a las preocupaciones y críticas propias de la generación del 98.
Poesía
Su obra poética está reunida en la trilogía Claves líricas (1930), formada por Aromas de leyenda. Versos en loor a un santo ermitaño, El pasajero y La pipa de Kif.
Versos en loor a un santo ermitaño (1907), recibe la influencia del Modernismo. Consta de catorce poemas de métrica variada en los que recrea diversos aspectos de su Galicia natal: descripciones del paisaje, trabajos cotidianos etc.
El pasajero (1920) se desarrolla en treinta y tres composiciones con distintos temas como: la muerte, el dolor, la vida, la pasión, la eternidad, etc.
Con La pipa de Kif (1919) da paso en sus poemas a lo grotesco, a lo esperpéntico. Esta obra se ha definido como una colección de estampas trágico-humorísticas.
Teatro
En relación al teatro y a las artes escénicas Valle-Inclán fue actor, adaptador, traductor, escenógrafo, director teatral, productor teatral y sobre todo, dramaturgo. Escribió numerosas obras de teatro y desde sus comienzos literarios mostró una atracción por el mundo del escenario. El teatro de Valle-Inclán suele dividirse en cinco períodos:
Ciclo modernista. A él pertenecen obras como El marqués de Bradomín (1906) y El yermo de las almas (1908).
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Ciclo mítico. Partiendo de su Galicia natal, crea un mundo mítico e intemporal. La irracionalidad, la violencia, la lujuria, la avaricia y la muerte rigen los destinos de los protagonistas. Pertenecen a este período la trilogía Comedias bárbaras y Divinas palabras (1920).
Ciclo de la farsa. Se trata de un grupo de comedias recogidas en un volumen titulado Tablado de marionetas para educación de príncipes (1909, 1912, 1920). Estas obras presentan un continuo contraste entre lo sentimental y lo grotesco, y sus personajes, marionetas de feria, anuncian la llegada del esperpento.
Ciclo esperpéntico. Está formado por Luces de bohemia (1920 y 1924) y el volumen titulado Martes de Carnaval (1930). El esperpento, más que un género literario, es una nueva forma de ver el mundo, ya que de forma y distorsiona la realidad para presentarnos la imagen real que se oculta tras ella. Para ello utiliza la parodia, humaniza los objetos y los animales y animaliza o cosifica a los humanos. Presentados de ese modo, los personajes carecen de humanidad y se presentan como marionetas.
Ciclo final. En esta última etapa Valle-Inclán lleva a su extremo las propuestas dramáticas anteriores: presencia de lo irracional e instintivo, personajes deshumanizados, esquematizados, y la técnica distorsionante del esperpento. Sus obras quedan recogidas en Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte.
Valle-Inclán muestra una clara oposición al teatro realista, costumbrista y de corte burgués que tanto éxito tenía en los escenarios, cuyos máximos exponentes en ese momento eran Jacinto Benavente y los hermanos Álvarez Quintero.
Traducciones
Realizó numerosas traducciones. Del portugués: La reliquia, El crimen del Padre Amaro y El primo Basilio, de Eça de Queiroz; del francés: La condesa de Romaní, de Alejandro Dumas y Las chicas del amigo Lefèvre, de Paul Alexis; y del italiano: Flor de pasión, de Matilde Serao.
El género del esperpento en Valle-Inclán
El esperpento como auténtico género dramático hace su aparición en 1920 con la obra Luces de Bohemia. La metáfora conceptual de este nuevo género teatral partió de una localización real; se encontraba por entonces un comercio de ferretería, situado en la madrileña «calle de Álvarez Gato» (el «callejón del Gato» de Luces de Bohemia), cuya característica más llamativa era la fachada publicitaria, donde se hallaban un espejo cóncavo y otro convexo que deformaban la figura de todo aquel que frente a ellos posase. Esto, que se convirtió en un entretenimiento de la época, sería utilizado por Valle-Inclán como metáfora llevada a la escena teatral y a su narrativa. Así, la deformación de la realidad bien podía ser divertida, como de hecho lo era para los transeúntes, pero podía convertirse en algo más: en un espejo social, en una crítica, en una deformación exagerada de la realidad que devolvía la verdadera imagen que se iba buscando al enfrentarse al espejo.
El esperpento según el propio Valle-Inclán
Como puede observarse, la idea de esperpento está asociada a una percepción del autor acerca de la mezcla entre grandeza y grotesco que Valle-Inclán considera propia de la sociedad española. Este modo de ver la realidad se empleó en toda su obra a partir de entonces, como en la trilogía esperpéntica que recopila en Martes de Carnaval. Esperpentos, y que contiene a La hija del capitán, Las galas del difunto y Los cuernos de don Friolera.
Más que un estilo o una técnica teatral, el esperpento es una poética, es decir, una forma de crear, que consiste en retratar hechos y personajes de una determinada manera. Según comenta Valle-Inclán en una conversación con Gregorio Martínez Sierra reproducida en el diario ABC (7 de diciembre de 1928), «hay tres modos de ver el mundo, artística o estéticamente: de rodilla, en pie o levantando el aire»; en el primer modo «se da a los personajes, a los héroes, una condición superior cuando menos a la condición del narrador»; la segunda manera es mirarlos, «como si fuesen ellos nosotros mismos» (como en el teatro de Shakespeare); «y hay otra tercera manera, que es mirar el mundo desde un plano superior y considerar a los personajes de la trama como seres inferiores al autor, con un punto de ironía.
Los dioses se convierten en personajes de sainete. Esta es una manera muy española, manera de demiurgo, que no se cree en modo alguno hecho del mismo barro que sus muñecos. Valle-Inclán refiere que esperpento, tal como lo ve él, tiene sus precedentes artísticos y estéticos en la literatura de Francisco de Quevedo y en la pintura de Francisco de Goya. «Y esta consideración es la que me movió a dar un cambio en mi literatura y a escribir los "esperpentos", el género literario que yo bautizo con el nombre de "esperpentos". El mundo de los "esperpentos" -explica uno de los personajes de Luces de Bohemia- es como si los héroes antiguos se hubiesen deformado en los espejos cóncavos de la calle, con un transporte grotesco, pero rigurosamente geométrico. Y estos seres deformados son los héroes llamados a representar una fábula clásica no deformada. Son enanos y patizambos que juegan una tragedia. Y con este sentido los he llevado a Tirano Banderas y a El ruedo ibérico.
Características del esperpento
- Lo grotesco como forma de expresión: la degradación de los personajes, los personajes, reducidos a meros muñecos, la animalización o fusión de formas humanas y animales, frecuentemente investido de todo tipo de intertextualidades, el abuso del contraste, la mezcla de mundo real y de pesadilla y la distorsión de la escena exterior.
- La deformación sistemática de la realidad: la apariencia de burla y caricatura de la realidad.
- El significado profundo, semi transparente, cargado de crítica e intención satírica que constituye la auténtica lección moral.
- La presencia de la muerte como personaje fundamental.
Esta técnica teatral hizo de Valle-Inclán un precedente cinematográfico, debido a los continuos cambios de escenario.
La degradación del esperpento afecta a ambientes y personajes. Los escenarios dominantes son tabernas burdeles, antros de juego, interiores míseros, calles inseguras de Madrid. Por las piezas deambulan borrachos, prostitutas, pícaros, mendigos, artistas fracasados, bohemios, presentados como marionetas sin voluntad.
Una de las reflexiones más importantes que plantea la creación esperpéntica es si se trata de una imagen deformada de la realidad, o si se trata de la imagen fiel de una realidad deforme.
Valle-Inclán pertenece a las siguientes corrientes literarias:
El Modernismo o Decandentismo surgió en los últimos años del siglo XIX en Europa y en América. Las incipientes corrientes del pensamiento finisecular tenían la intención de renovar la situación social y política, así como las tendencias artísticas del momento, es decir, Realismo y Naturalismo. En un principio el término “modernista” tuvo carácter despectivo ya que era utilizado por aquellos que se oponían a las novedades, pero con el tiempo pasó a designar, sin ninguna connotación negativa, a los cultivadores de esta nueva tendencia.
Puede decirse que el Modernismo empieza a gestarse en los primeros años de la década de los 80 del siglo XIX. Su desarrollo llegaría hasta la Primera Guerra Mundial. En este periodo se producen acontecimientos como la crisis y el desastre del 98 para España. El año 1898 significó para España la pérdida definitiva de todas sus antiguas colonias americanas. Sin embargo, en 1898 no perdió tanto territorio (Cuba y Puerto Rico en América y Filipinas en Asia) como durante el reinado de Fernando VII de España.
Hay que destacar que la literatura en español desde finales del siglo XIX no tiene su centro de irradiación en España como ocurría en siglos anteriores. En el caso del Modernismo, además, hay que decir que es un movimiento que más bien surge en América. La entrada del Modernismo en España se produjo en 1892 con la llegada de Rubén Darío. El Modernismo en España es incomprensible sin ponderar la aportación de la literatura americana. No hay consenso en la actualidad para el debate “entre los que perciben el Modernismo como opuesto a la Generación del 98 y los que proponen un punto de vista más ancho o "epocal" de la cultura española finisecular”.
El Modernismo supuso también renovación y rebeldía frente a la literatura imperante en la época. Los modernistas innovaron para encontrar otros temas y formas que estuvieran más acordes con sus inquietudes. Una gran influencia para el Modernismo fueron estas dos corrientes literarias francesas: Parnasianismo y Simbolismo. La ruptura modernista también tiene su origen en la crisis espiritual generalizada de finales del XIX, con distintas características a ambos lados del Atlántico. El Modernismo ha sido nombrado como "rebeldía de soñadores".
Los modernistas españoles, fueron influidos principalmente por el Modernismo hispanoamericano, aunque también lo fueron por los parnasianos y simbolistas franceses. Uno de los sucesos más importantes para la España de la época fue, como se ha dicho, el Desastre del 98.
La generación del 98
Es el nombre con el que se ha reunido tradicionalmente a un grupo de escritores, ensayistas y poetas españoles que se vieron profundamente afectados por la crisis moral, política y social acarreada en España por la derrota militar en la guerra hispano-estadounidense y la consiguiente pérdida de Puerto Rico, Guam, Cuba y las Filipinas en 1898. Todos los autores y grandes poetas englobados en esta generación nacen entre 1864 y 1876.
Se inspiraron en la corriente crítica del canovismo denominada regeneracionismo y ofrecieron una visión artística en conjunto en La generación del 98. Clásicos y modernos.
Los autores mantuvieron, al menos al principio, una estrecha amistad y se opusieron a la España de la Restauración. Lo indiscutible es que comparten una serie de puntos en común:
1. Distinguieron entre una España real miserable y otra España oficial falsa y aparente. Su preocupación por la identidad de lo español está en el origen del llamado debate sobre el Ser de España, que continuó aún en las siguientes generaciones.
2. Sienten un gran interés y amor por la Castilla miserable de los pueblos abandonados y polvorientos; revalorizan su paisaje y sus tradiciones, su lenguaje castizo y espontáneo. Recorren las dos mesetas escribiendo libros de viajes, resucitan y estudian los mitos literarios españoles y el Romancero.
3. Rompen y renuevan los moldes clásicos de los géneros literarios, creando nuevas formas en todos ellos. En la narrativa, la nivola unamuniana, la novela impresionista y lírica de Azorín, que experimenta con el espacio y el tiempo y hace vivir al mismo personaje en varias épocas; la novela abierta y disgregada de Baroja, influida por el folletín, o la novela casi teatral y cinematográfica de Valle-Inclán. En el teatro, el esperpento y el expresionismo de Valle-Inclán o los dramas filosóficos de Unamuno.
4. Rechazan la estética del Realismo y su estilo de frase amplia, de elaboración retórica y de carácter menudo y detallista, prefiriendo un lenguaje más cercano a la lengua de la calle, de sintaxis más corta y carácter impresionista; recuperaron las palabras tradicionales y castizas campesinas.
5. Intentaron aclimatar en España las corrientes filosóficas del Irracionalismo europeo, en particular de Friedrich Nietzsche (Azorín, Maeztu, Baroja, Unamuno), Arthur Schopenhauer (especialmente en Baroja), Sören Kierkegaard (en Unamuno) y Henri Bergson (Antonio Machado).
6. El pesimismo es la actitud más corriente entre ellos y la actitud crítica y descontentadiza les hace simpatizar con románticos como Mariano José de Larra, al que dedicaron un homenaje.
7. Ideológicamente comparten las tesis del Regeneracionismo, en particular de Joaquín Costa, que ilustran de forma artística y subjetiva.
8. Ofrecen un carácter subjetivo en sus obras. La subjetividad toma mucha importancia en la Generación del 98 y en el modernismo .
Por un lado, los intelectuales más modernos, secundados a veces por los propios autores criticados, sostenían que la generación del 98 se caracterizó por un aumento del egotismo, por un precoz y morboso sentimiento de frustración, por la exageración neorromántica de lo individual y por su imitación servil de las modas europeas del momento.
Por otra parte, para los escritores de la izquierda revolucionaria de los años treinta, la interpretación negativa de la rebeldía noventayochista se une a una fundamentación ideológica: el espíritu de protesta responde al sarampión juvenil de un sector de la pequeña burguesía intelectual, condenado a refluir en una actitud espiritualista y equívoca, nacionalista y anti progresiva.
Los problemas a la hora de definir a la generación del 98 siempre han sido (y son) numerosos ya que no se puede abarcar la totalidad de experiencias artísticas de una extensa trayectoria temporal. La realidad del momento era muy compleja y no permite entender la generación basándose en la vivencia común de unos mismos hechos históricos. Esto se debe a un triple motivo:
1. La crisis política de finales del siglo XIX afectó a bastantes más escritores que los englobados en la generación del 98.
2. No se puede restringir la experiencia histórica de los autores nacidos entre 1864 y 1875 (fechas de nacimiento de Unamuno y Machado) al resentimiento nacionalista producido por la pérdida de las colonias. Se afianzaba además por aquellos años en España una comunidad social y económica casi moderna.
3. El auge del republicanismo y la pugna anticlerical (1900–1910), así como importantes huelgas, sindicalismo, movilizaciones obreras o atentados anarquistas.
Valle-Inclán también formó parte de en la literatura española del género bohemio
En España existió una bohemia artística y literaria también que se cobijaba en los cafés del último tercio del siglo XIX y el primero del XX. Era la llamada Edad de Plata de la literatura española, en la que convivían al mismo tiempo los escritores realistas y naturalistas con la Generación del 98, los escritores del Novecentismo y la Generación del 27 en los cafés, periódicos y calles de un Madrid "brillante y hambriento", como escribió Ramón del Valle-Inclán, pero también inmisericorde con las ilusiones literarias de los rebeldes bohemios.
Formaron parte de esta bohemia casi siempre escritores del decadentismo modernista, como Alejandro Sawa y su hermano, Dório de Gádex, Villaespesa, Emilio, Armando
Buscarini, Ernesto Bark, Pedro Luis de Gálvez, magnífico sonetista ejecutado en 1940; Alfonso Vidal y Planas, el murciano Eliodoro Puche, Valle-Inclán, Rubén Darío, Manuel Machado, Eduardo Zamacois, José Nakens, Rafael Cansinos Assens, Joaquín Dicenta o Pío Baroja. Algunos de ellos han pasado después a la historia de la literatura; otros, justa o injustamente, han sido casi totalmente olvidados.
El tema de la bohemia está presente en muchas obras literarias de la época. Podemos destacar Luces de bohemia.
Aquí os dejamos unos vídeos en los que se representan algunas de sus obras:
La actividad literaria de Valle-Inclán comienza con la publicación de algunos pequeños textos en Santiago de Compostela. Poco a poco extendería su obra a varios géneros de la narrativa como el relato, las crónicas, la novela, el teatro o la poesía lírica.
Narrativa
Su producción narrativa se inicia en el modernismo. Su primera obra es: Femeninas, colección de relatos sutiles, sensuales y muy musicales. Más adelante llevará a cabo todo un monumento del modernismo: las Sonatas -Sonata de otoño (1902), Sonata de estío (1903), Sonata de primavera (1904) y Sonata de invierno (1905)- que tardaran tres años en salir. Es con ellas con las que inicia su carrera de escritor. En ellas relata, de forma autobiográfica, los amores del Marqués de Bradomín (un Don Juan ochecentista, cínico y sensual). En estos relatos, Valle-Inclán representa una nostalgia típica en los discípulos de Rubén Darío (padre del modernismo, quien lo llevó de Latinoamérica a España).
Escribe una de las mejores y más importantes obras en toda la prosa modernista hispana: Flor de santidad. Esta obra, sin huir del modernismo, se centra un poco más en las tradiciones populares y leyendas gallegas con las que Valle se familiarizó en su infancia.
Por la cantidad de diálogos, algunas de sus obras narrativas, como el ciclo de las Comedias bárbaras, podrían considerarse dramáticas. Al revisarlas y comprender la dificultad de representarlas se las incluye entre sus novelas.
Otra vertiente de la novelística de Valle-Inclán queda plasmada en los Relatos de la Guerra Carlista (1909), donde ofrece un tratamiento nuevo de esta temática, raspando el efectismo épico dominante en obras anteriores del autor y adoptando un estilo más sobrio, entrañable y lleno de emoción.
En la serie de novelas El ruedo ibérico se burla de la corte de Isabel II y presenta ya la orientación crítica y grotesca que predominan en sus últimas creaciones.
Tirano Banderas. Novela de tierra caliente (1926) narra la caída del dictador sudamericano Santos Banderas, un personaje cruel que mantiene el poder gracias al terror y a la opresión. Es una descripción de la sociedad sudamericana y uno de los primeros ejemplos de la llamada «novela de dictador».
Estas novelas marcan un cambio en la postura estética de Valle-Inclán, acercándose un poco a las preocupaciones y críticas propias de la generación del 98.
Poesía
Su obra poética está reunida en la trilogía Claves líricas (1930), formada por Aromas de leyenda. Versos en loor a un santo ermitaño, El pasajero y La pipa de Kif.
Versos en loor a un santo ermitaño (1907), recibe la influencia del Modernismo. Consta de catorce poemas de métrica variada en los que recrea diversos aspectos de su Galicia natal: descripciones del paisaje, trabajos cotidianos etc.
El pasajero (1920) se desarrolla en treinta y tres composiciones con distintos temas como: la muerte, el dolor, la vida, la pasión, la eternidad, etc.Con La pipa de Kif (1919) da paso en sus poemas a lo grotesco, a lo esperpéntico. Esta obra se ha definido como una colección de estampas trágico-humorísticas.
Teatro
En relación al teatro y a las artes escénicas Valle-Inclán fue actor, adaptador, traductor, escenógrafo, director teatral, productor teatral y sobre todo, dramaturgo. Escribió numerosas obras de teatro y desde sus comienzos literarios mostró una atracción por el mundo del escenario. El teatro de Valle-Inclán suele dividirse en cinco períodos:
Ciclo modernista. A él pertenecen obras como El marqués de Bradomín (1906) y El yermo de las almas (1908).
Ciclo mítico. Partiendo de su Galicia natal, crea un mundo mítico e intemporal. La irracionalidad, la violencia, la lujuria, la avaricia y la muerte rigen los destinos de los protagonistas. Pertenecen a este período la trilogía Comedias bárbaras y Divinas palabras (1920).Ciclo de la farsa. Se trata de un grupo de comedias recogidas en un volumen titulado Tablado de marionetas para educación de príncipes (1909, 1912, 1920). Estas obras presentan un continuo contraste entre lo sentimental y lo grotesco, y sus personajes, marionetas de feria, anuncian la llegada del esperpento.
Ciclo final. En esta última etapa Valle-Inclán lleva a su extremo las propuestas dramáticas anteriores: presencia de lo irracional e instintivo, personajes deshumanizados, esquematizados, y la técnica distorsionante del esperpento. Sus obras quedan recogidas en Retablo de la avaricia, la lujuria y la muerte.
Valle-Inclán muestra una clara oposición al teatro realista, costumbrista y de corte burgués que tanto éxito tenía en los escenarios, cuyos máximos exponentes en ese momento eran Jacinto Benavente y los hermanos Álvarez Quintero.
Traducciones
Realizó numerosas traducciones. Del portugués: La reliquia, El crimen del Padre Amaro y El primo Basilio, de Eça de Queiroz; del francés: La condesa de Romaní, de Alejandro Dumas y Las chicas del amigo Lefèvre, de Paul Alexis; y del italiano: Flor de pasión, de Matilde Serao.
El género del esperpento en Valle-Inclán
El esperpento como auténtico género dramático hace su aparición en 1920 con la obra Luces de Bohemia. La metáfora conceptual de este nuevo género teatral partió de una localización real; se encontraba por entonces un comercio de ferretería, situado en la madrileña «calle de Álvarez Gato» (el «callejón del Gato» de Luces de Bohemia), cuya característica más llamativa era la fachada publicitaria, donde se hallaban un espejo cóncavo y otro convexo que deformaban la figura de todo aquel que frente a ellos posase. Esto, que se convirtió en un entretenimiento de la época, sería utilizado por Valle-Inclán como metáfora llevada a la escena teatral y a su narrativa. Así, la deformación de la realidad bien podía ser divertida, como de hecho lo era para los transeúntes, pero podía convertirse en algo más: en un espejo social, en una crítica, en una deformación exagerada de la realidad que devolvía la verdadera imagen que se iba buscando al enfrentarse al espejo.
El esperpento según el propio Valle-Inclán
Como puede observarse, la idea de esperpento está asociada a una percepción del autor acerca de la mezcla entre grandeza y grotesco que Valle-Inclán considera propia de la sociedad española. Este modo de ver la realidad se empleó en toda su obra a partir de entonces, como en la trilogía esperpéntica que recopila en Martes de Carnaval. Esperpentos, y que contiene a La hija del capitán, Las galas del difunto y Los cuernos de don Friolera.
Más que un estilo o una técnica teatral, el esperpento es una poética, es decir, una forma de crear, que consiste en retratar hechos y personajes de una determinada manera. Según comenta Valle-Inclán en una conversación con Gregorio Martínez Sierra reproducida en el diario ABC (7 de diciembre de 1928), «hay tres modos de ver el mundo, artística o estéticamente: de rodilla, en pie o levantando el aire»; en el primer modo «se da a los personajes, a los héroes, una condición superior cuando menos a la condición del narrador»; la segunda manera es mirarlos, «como si fuesen ellos nosotros mismos» (como en el teatro de Shakespeare); «y hay otra tercera manera, que es mirar el mundo desde un plano superior y considerar a los personajes de la trama como seres inferiores al autor, con un punto de ironía.
Los dioses se convierten en personajes de sainete. Esta es una manera muy española, manera de demiurgo, que no se cree en modo alguno hecho del mismo barro que sus muñecos. Valle-Inclán refiere que esperpento, tal como lo ve él, tiene sus precedentes artísticos y estéticos en la literatura de Francisco de Quevedo y en la pintura de Francisco de Goya. «Y esta consideración es la que me movió a dar un cambio en mi literatura y a escribir los "esperpentos", el género literario que yo bautizo con el nombre de "esperpentos". El mundo de los "esperpentos" -explica uno de los personajes de Luces de Bohemia- es como si los héroes antiguos se hubiesen deformado en los espejos cóncavos de la calle, con un transporte grotesco, pero rigurosamente geométrico. Y estos seres deformados son los héroes llamados a representar una fábula clásica no deformada. Son enanos y patizambos que juegan una tragedia. Y con este sentido los he llevado a Tirano Banderas y a El ruedo ibérico.
Características del esperpento
- Lo grotesco como forma de expresión: la degradación de los personajes, los personajes, reducidos a meros muñecos, la animalización o fusión de formas humanas y animales, frecuentemente investido de todo tipo de intertextualidades, el abuso del contraste, la mezcla de mundo real y de pesadilla y la distorsión de la escena exterior.
- La deformación sistemática de la realidad: la apariencia de burla y caricatura de la realidad.
- El significado profundo, semi transparente, cargado de crítica e intención satírica que constituye la auténtica lección moral.
- La presencia de la muerte como personaje fundamental.
Esta técnica teatral hizo de Valle-Inclán un precedente cinematográfico, debido a los continuos cambios de escenario.
La degradación del esperpento afecta a ambientes y personajes. Los escenarios dominantes son tabernas burdeles, antros de juego, interiores míseros, calles inseguras de Madrid. Por las piezas deambulan borrachos, prostitutas, pícaros, mendigos, artistas fracasados, bohemios, presentados como marionetas sin voluntad.
Una de las reflexiones más importantes que plantea la creación esperpéntica es si se trata de una imagen deformada de la realidad, o si se trata de la imagen fiel de una realidad deforme.
Valle-Inclán pertenece a las siguientes corrientes literarias:
El Modernismo o Decandentismo surgió en los últimos años del siglo XIX en Europa y en América. Las incipientes corrientes del pensamiento finisecular tenían la intención de renovar la situación social y política, así como las tendencias artísticas del momento, es decir, Realismo y Naturalismo. En un principio el término “modernista” tuvo carácter despectivo ya que era utilizado por aquellos que se oponían a las novedades, pero con el tiempo pasó a designar, sin ninguna connotación negativa, a los cultivadores de esta nueva tendencia.
Puede decirse que el Modernismo empieza a gestarse en los primeros años de la década de los 80 del siglo XIX. Su desarrollo llegaría hasta la Primera Guerra Mundial. En este periodo se producen acontecimientos como la crisis y el desastre del 98 para España. El año 1898 significó para España la pérdida definitiva de todas sus antiguas colonias americanas. Sin embargo, en 1898 no perdió tanto territorio (Cuba y Puerto Rico en América y Filipinas en Asia) como durante el reinado de Fernando VII de España.
Hay que destacar que la literatura en español desde finales del siglo XIX no tiene su centro de irradiación en España como ocurría en siglos anteriores. En el caso del Modernismo, además, hay que decir que es un movimiento que más bien surge en América. La entrada del Modernismo en España se produjo en 1892 con la llegada de Rubén Darío. El Modernismo en España es incomprensible sin ponderar la aportación de la literatura americana. No hay consenso en la actualidad para el debate “entre los que perciben el Modernismo como opuesto a la Generación del 98 y los que proponen un punto de vista más ancho o "epocal" de la cultura española finisecular”.
El Modernismo supuso también renovación y rebeldía frente a la literatura imperante en la época. Los modernistas innovaron para encontrar otros temas y formas que estuvieran más acordes con sus inquietudes. Una gran influencia para el Modernismo fueron estas dos corrientes literarias francesas: Parnasianismo y Simbolismo. La ruptura modernista también tiene su origen en la crisis espiritual generalizada de finales del XIX, con distintas características a ambos lados del Atlántico. El Modernismo ha sido nombrado como "rebeldía de soñadores".
Los modernistas españoles, fueron influidos principalmente por el Modernismo hispanoamericano, aunque también lo fueron por los parnasianos y simbolistas franceses. Uno de los sucesos más importantes para la España de la época fue, como se ha dicho, el Desastre del 98.
La generación del 98
Es el nombre con el que se ha reunido tradicionalmente a un grupo de escritores, ensayistas y poetas españoles que se vieron profundamente afectados por la crisis moral, política y social acarreada en España por la derrota militar en la guerra hispano-estadounidense y la consiguiente pérdida de Puerto Rico, Guam, Cuba y las Filipinas en 1898. Todos los autores y grandes poetas englobados en esta generación nacen entre 1864 y 1876.
Se inspiraron en la corriente crítica del canovismo denominada regeneracionismo y ofrecieron una visión artística en conjunto en La generación del 98. Clásicos y modernos.
Los autores mantuvieron, al menos al principio, una estrecha amistad y se opusieron a la España de la Restauración. Lo indiscutible es que comparten una serie de puntos en común:
1. Distinguieron entre una España real miserable y otra España oficial falsa y aparente. Su preocupación por la identidad de lo español está en el origen del llamado debate sobre el Ser de España, que continuó aún en las siguientes generaciones.
2. Sienten un gran interés y amor por la Castilla miserable de los pueblos abandonados y polvorientos; revalorizan su paisaje y sus tradiciones, su lenguaje castizo y espontáneo. Recorren las dos mesetas escribiendo libros de viajes, resucitan y estudian los mitos literarios españoles y el Romancero.
3. Rompen y renuevan los moldes clásicos de los géneros literarios, creando nuevas formas en todos ellos. En la narrativa, la nivola unamuniana, la novela impresionista y lírica de Azorín, que experimenta con el espacio y el tiempo y hace vivir al mismo personaje en varias épocas; la novela abierta y disgregada de Baroja, influida por el folletín, o la novela casi teatral y cinematográfica de Valle-Inclán. En el teatro, el esperpento y el expresionismo de Valle-Inclán o los dramas filosóficos de Unamuno.
4. Rechazan la estética del Realismo y su estilo de frase amplia, de elaboración retórica y de carácter menudo y detallista, prefiriendo un lenguaje más cercano a la lengua de la calle, de sintaxis más corta y carácter impresionista; recuperaron las palabras tradicionales y castizas campesinas.
5. Intentaron aclimatar en España las corrientes filosóficas del Irracionalismo europeo, en particular de Friedrich Nietzsche (Azorín, Maeztu, Baroja, Unamuno), Arthur Schopenhauer (especialmente en Baroja), Sören Kierkegaard (en Unamuno) y Henri Bergson (Antonio Machado).
6. El pesimismo es la actitud más corriente entre ellos y la actitud crítica y descontentadiza les hace simpatizar con románticos como Mariano José de Larra, al que dedicaron un homenaje.
7. Ideológicamente comparten las tesis del Regeneracionismo, en particular de Joaquín Costa, que ilustran de forma artística y subjetiva.
8. Ofrecen un carácter subjetivo en sus obras. La subjetividad toma mucha importancia en la Generación del 98 y en el modernismo .
Por un lado, los intelectuales más modernos, secundados a veces por los propios autores criticados, sostenían que la generación del 98 se caracterizó por un aumento del egotismo, por un precoz y morboso sentimiento de frustración, por la exageración neorromántica de lo individual y por su imitación servil de las modas europeas del momento.
Por otra parte, para los escritores de la izquierda revolucionaria de los años treinta, la interpretación negativa de la rebeldía noventayochista se une a una fundamentación ideológica: el espíritu de protesta responde al sarampión juvenil de un sector de la pequeña burguesía intelectual, condenado a refluir en una actitud espiritualista y equívoca, nacionalista y anti progresiva.
Los problemas a la hora de definir a la generación del 98 siempre han sido (y son) numerosos ya que no se puede abarcar la totalidad de experiencias artísticas de una extensa trayectoria temporal. La realidad del momento era muy compleja y no permite entender la generación basándose en la vivencia común de unos mismos hechos históricos. Esto se debe a un triple motivo:
1. La crisis política de finales del siglo XIX afectó a bastantes más escritores que los englobados en la generación del 98.
2. No se puede restringir la experiencia histórica de los autores nacidos entre 1864 y 1875 (fechas de nacimiento de Unamuno y Machado) al resentimiento nacionalista producido por la pérdida de las colonias. Se afianzaba además por aquellos años en España una comunidad social y económica casi moderna.
3. El auge del republicanismo y la pugna anticlerical (1900–1910), así como importantes huelgas, sindicalismo, movilizaciones obreras o atentados anarquistas.
Valle-Inclán también formó parte de en la literatura española del género bohemio
En España existió una bohemia artística y literaria también que se cobijaba en los cafés del último tercio del siglo XIX y el primero del XX. Era la llamada Edad de Plata de la literatura española, en la que convivían al mismo tiempo los escritores realistas y naturalistas con la Generación del 98, los escritores del Novecentismo y la Generación del 27 en los cafés, periódicos y calles de un Madrid "brillante y hambriento", como escribió Ramón del Valle-Inclán, pero también inmisericorde con las ilusiones literarias de los rebeldes bohemios.
Formaron parte de esta bohemia casi siempre escritores del decadentismo modernista, como Alejandro Sawa y su hermano, Dório de Gádex, Villaespesa, Emilio, Armando
Buscarini, Ernesto Bark, Pedro Luis de Gálvez, magnífico sonetista ejecutado en 1940; Alfonso Vidal y Planas, el murciano Eliodoro Puche, Valle-Inclán, Rubén Darío, Manuel Machado, Eduardo Zamacois, José Nakens, Rafael Cansinos Assens, Joaquín Dicenta o Pío Baroja. Algunos de ellos han pasado después a la historia de la literatura; otros, justa o injustamente, han sido casi totalmente olvidados.
El tema de la bohemia está presente en muchas obras literarias de la época. Podemos destacar Luces de bohemia.
Aquí os dejamos unos vídeos en los que se representan algunas de sus obras:
Divinas palabras
Martes de carnaval
Luces de Bohemia
El esperpento
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